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                專題目錄

                2019·北京國際作曲大師班公開排練課程綜述

                • 作者:供稿:作曲系  
                • 來源:彩神快三
                • 發布日期:2019-07-28 00:45:00

                  排練作為聯通譜面和實際音響的重要環節,無疑影響著音樂作品最終呈現的實際效果。排練還見證了一部音樂作品從稚嫩走向成熟,最終綻放在舞臺上的在ξ 這一過程。這一過程集中體現在“2019北京國際作曲大師班”特邀樂團(法國Court Circuit樂團)和五位優秀的民樂演奏家為“法國作曲家專場音【樂會”、“教授作品音樂會”和“A 組學員作品音樂會”所設計的排練公開課。在為期5天的排練公開課中,作曲家與教授、指揮、演奏家們通力合作,通過排練、授課、修改、再次排練的方式反復打磨作品,使創作理念與實際演奏相結合,讓譜面記述◇連接實際音響。

                  法國Court Circuit樂團秉持著“由作曲家㊣創作,為作曲家而作”的藝術觀,始終致力於現代音樂的演奏與發掘。在排練的過程中,作曲家將結合教授的理論分析、指揮的切實建議以及演奏家們的演奏反饋,聽取多方建議,全面考量,對自己的作品做出相應的修改。進而形成多方研討、廣納群言的良◥性學術氛圍。在公開排練課程中,專家、教授既給予了年輕作曲家足夠的尊重與耐心,還幫助他們走出創作經驗不足、排演經驗欠缺的境遇。然而,在整個排練環節中也不難歸納出一些共性問題。如,記譜法的規範性、創作技法的合理性、關於▂作品的風格探討、預期音響與實際音響之間所存在的差異,諸如此類,這其中當然也包括作曲家該如何更好地與指揮、演奏員溝通,等等。

                 

                  記譜規↑範究竟有多重要?

                  樂譜是連接作曲家和演奏家的重要媒介,譜面信息“有什麽?”“怎麽讀?”“是否讀得方便?”等問題在排練中被多次提出。

                  “有什麽?”關乎於作曲家如何將自己的創作構思以符號化的記譜方式呈現出來。記譜規範的問題幾乎成為排練中最“尖銳”的話題。例如:有旋律的聲部被▅延長時,完全休止的聲部是否也被標記?弦樂在演奏某種左手技∩巧(如:顫音)時,右手的的演奏技法(如:應選擇正常位置⊙/近指板/近琴碼)是否也被清晰表明?這些看似細枝末節的問題一旦被作曲家忽視,則會造成指揮、演奏者無法準確地獲取音樂信息,從而影響排練的整體進程和作品的音響呈現。

                  “怎麽讀?”則涉及了許多特殊技法的標記問題。現代音樂以其多◥元化、個性化的特點營造了豐富的音響世界。作曲家們在現有的樂器基礎上開拓了不勝枚舉的特殊技法,並且許多都是原創的。這時作曲家需要在單一的符號標記之余附之文字解釋。教授們建議除了在總譜開篇處設置技法說明以外,還需在該技法首次出現時做出相應的標記。

                  “是否讀得方便?”則需要作曲家具有更多的同理心,盡可能站在ω 演奏者的角度思考問題。例如:制作分譜時至少應◣該選擇多大的字號?演奏員翻譜的位置能否設置在長休止時?

                  這些問題尖銳且及時,幾乎涉及到所有的學員作品。C組學員沈子璟今年六月剛剛畢業於浙江音樂學院作曲專業,對於這個問題他談到:“在排練中,教授們會指出許多作品中存在記譜問題,這些情形也曾出現在我以往的學習中。老師也教導過我,但始終沒有引起我足夠的重視。當同樣的情況出現在他人的作品中,或許是由於旁觀者清的緣故,我才意識到這些問題的致命性,也因此有了更深層次的反思。”

                  (Dzubay教授與沈子璟)

                 

                  你的創作技法具備足夠的合理性嗎?

                  自西方作曲技術逐漸脫離共性寫作手法以來,可聽性也不再成為評判現代音樂優劣的首要標準,作品的先鋒性、觀念性與其蘊含的哲學意味等成為現代音樂作品不可剝離的重要特征。當下√的作曲比賽也十分倡導作曲家大膽的進行學術探索,追求新意。但這並不意味著放諸音響效果於不顧,一味地“為技術而技術”。

                  另一方面,對於樂器性能的了解亦成為創作時的一大難題。作曲家是否對每件樂器的特點足夠明晰?創作是否已經觸及演奏者的極限?作品的繁復性真的會作用於實際音響嗎?諸如此類的問題被逐●一拋出。

                  在排練的過程中,許多學員的作品由於過於繁復而做了簡化處理。趙菁文教授也時常對學員發問:“你究竟想要什麽樣的聲音?”“這樣的處理會產生怎樣的音響?”“我該用怎樣的方式合理的表達?”旨在希望作曲家可以更多的站在音響層面創作音樂,甚至學會“做減法”。

                 

                  關於作品的風格相關探討

                  “中國意蘊”,是本次大師班中許多作品都會涉及的創作◤話題,然而演奏家能否合理、準確的表達創作者的意圖ξ則是另一重要課題。例如:在彩神快三作曲系教師紀宇的作品《牧歌》(7月16日首演)的排練初期,作曲家便與CC樂團展開過相關討論。為使演奏家的處理避免過多的抒情性、避免與西方晚期浪漫主義風格產生混淆、並力圖探尋更深層的音樂情感、使作品展現出鮮明的中國風韻,作曲家建議樂團以減少使用“rubato”的演奏方式,以便於更合理地表述“中式”風格。在此過ㄨ程中,演奏家需要面臨文化差異與知識儲備等諸多挑戰。

                  古箏演奏家李寒談到:“我在此次大師班中參演的三部作品均為混合室內樂編制,面對民樂與西樂的音響融合問題,我們不得不去思考關於律制差異、音響平衡、配合關系等多個方面。還包括民樂較為自由化的演奏方式與西樂嚴謹規範的表達法兩者之間又該如何權衡?在與CC樂團的合作中,我也對♂古箏有了更深的了解,也感謝作曲家們賦予了這件樂器更多的可能。”

                 

                  預期音響與實際音響之間存在差異該怎麽辦?

                  法國CC樂團指揮紀堯姆·勃艮第教授認為記譜法的規範程度與實際的音響效果緊密關聯,所以規範記譜是重中之重↘。作曲家應采用直觀、有效的記譜方式,使演奏員清楚的了解究竟該如何演奏。另一方面,作曲家應多多積累聽覺經驗,熟悉不同技法可能產生的聲音效果。在排練中學習,在排練中積累。若是出現實際音響與預期音響大相徑庭的情況,則需要做出相應的譜面調整。

                  竹笛演奏家向鐘毓談到:“曹源彬所創作得《水之道》使我印象深刻。作品采用一種全新的創作理》念,例如開發竹笛演奏技法,以呈示給聽眾非凡的音響效果。作品包含一種被稱為‘彈舌音’(tongue ram,一種特殊的非音高音效)的吹奏技巧,這是在我之前的演奏中所從未遇到的。‘彈舌音’異於常規的吹奏法,在我看來更像將竹笛視為一種‘打擊樂’。其效果聽起來更像是←模仿水滴掉落的聲音。也許這種技法會在未來被更多的運用到竹笛作品的創作中。”希望作曲家可以在開發技巧的同時,更多的從實際音響入手,發掘可以作用於實際音響的特殊技法。

                 

                  作曲家與演奏家之間該如何建立良好的溝通機制?

                  作曲家、指揮和演奏家既“三權分立”卻又“相互依存”。一部作品的成功演繹需要三者通力合作,相互促進,彼此建言獻策。良好的溝通機制無疑將助力作品的成功上演。

                  Court Circuit樂團具有極高的職業素養,正如青年作曲家彩神快三作曲系田田老師在╲采訪中說:“CC樂團所具備的專業素質相信大家有目共睹,他們很早便開始著手籌備這次大師班的曲目。當然,我的作品《夜雪獨白》大成功上演也離不開他們的辛勤付出。早在兩個月之前,大提琴聲部的阿萊克西·德夏爾莫(Alexis Descharmes)先生便通過郵件的方式向我詢問關於作品的種種細節,信件往來十余次。其中包♂括對譜面內容、段落劃分、記譜法等許多方面的進一步探討。他提出希望在演出時不帶指揮,這個決定顯然增加了演奏者個人的工作難度,也就意味著他們在法國的排練是在閱讀總譜的前提下進行的。他們不僅僅將自己定位於一個演奏者,而是持有一種與作曲家共同‘創造’的藝術姿態。大提琴聲部在《夜雪獨白》這部作品中分量很重,我改變了大提琴原有的定弦方式,同時采用了兩種記譜方式——一為實際音高ㄨ記譜,二為把位記譜』(finger position)。這需要演奏者與其數十年的演奏經驗相抗衡,建立新的演奏習慣,這∮需要演奏家在私下加班加點,多加練習。”

                  樂團的演奏家們幽默、樂觀、且十分敬業,不論面對何種年齡段的作曲家,他們都抱有尊重的態度,與作曲家不斷溝通、反復磨合。指揮紀堯姆·勃艮第教授則會在休息的間隙為學員修改總譜,並附以大段的文字說明◣仔細講解。與此同時,他們也表現出對中國音樂、中國文化以及中國新生代的年輕作曲家具有的濃厚興趣,他們樂於在中國探索更多的可能。良好的溝通建制無疑會助力作品的產出,而相互尊重的態度更會碰撞出更多藝術的↘花火。

                 

                文:馮逸然

                圖:馮逸然、王舒凡

                責任編輯:唐小茜

                審稿:魏明

                 

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                2019·北京國際作曲大師班公開排練課程綜述

                作者:供稿:作曲系來源:彩神快三更新日期:2020-01-11 02:23:24發布日期:2019-07-28 00:45:00本欄目內容由黨委宣傳部負責維護

                  排練作為聯通譜面和實際音響的重要環節,無疑影響著音樂作品最終呈現的實際效果。排練還見證了一部音樂作品從稚嫩走向成熟,最終綻放在舞臺上的在這一過程。這一過程集中體現在“2019北京國際作曲大師班”特邀樂團(法國Court Circuit樂團)和五位優秀的民樂演奏家為“法國作曲家專場音樂會”、“教授作品音樂會”和“A 組學員作品音樂會”所設計的排練公開課。在為期5天的排練公開課中,作曲家與教授、指揮、演奏家們通力合作,通過排練、授課、修改、再次排練的方式反復打磨作品,使創作理念與實際演奏相結合,讓譜面記述連接實際音響。

                  法國Court Circuit樂團秉持著“由作曲家創作,為作曲家而作”的藝術觀,始終致力於現代音樂的演奏與發掘。在排練的過程中,作曲家將結合教授的理論分析、指揮的切實建議以及演奏家們的演奏反饋,聽取多方建議,全面考量,對自己的作品做出相應的修改。進而形成多方研討、廣納群言的良性學術氛圍。在公開排練課程中,專家、教授既給予了年輕作曲家足夠的尊重與耐心,還幫助他們走出創作經驗不足、排演經驗欠缺的境遇。然而,在整個排練環節中也不難歸納出一些共性問題。如,記譜法的規範性、創作技法的合理性、關於作品的風格探討、預期音響與實際音響之間所存在的差異,諸如此類,這其中當然也包括作曲家該如何更好地與指揮、演奏員溝通,等等。

                 

                  記譜規範究竟有多重要?

                  樂譜是連接作曲家和演奏家的重要媒介,譜面信息“有什麽?”“怎麽讀?”“是否讀得方便?”等問題在排練中被多次提出。

                  “有什麽?”關乎於作曲家如何將自己的創作構思以符號化的記譜方式呈現出來。記譜規範的問題幾乎成為排練中最“尖銳”的話題。例如:有旋律的聲部被延長時,完全休止的聲部是否也被標記?弦樂在演奏某種左手技巧(如:顫音)時,右手的的演奏技法(如:應選擇正常位置/近指板/近琴碼)是否也被清晰表明?這些看似細枝末節的問題一旦被作曲家忽視,則會造成指揮、演奏者無法準確地獲取音樂信息,從而影響排練的整體進程和作品的音響呈現。

                  “怎麽讀?”則涉及了許多特殊技法的標記問題。現代音樂以其多元化、個性化的特點營造了豐富的音響世界。作曲家們在現有的樂器基礎上開拓了不勝枚舉的特殊技法,並且許多都是原創的。這時作曲家需要在單一的符號標記之余附之文字解釋。教授們建議除了在總譜開篇處設置技法說明以外,還需在該技法首次出現時做出相應的標記。

                  “是否讀得方便?”則需要作曲家具有更多的同理心,盡可能站在演奏者的角度思考問題。例如:制作分譜時至少應該選擇多大的字號?演奏員翻譜的位置能否設置在長休止時?

                  這些問題尖銳且及時,幾乎涉及到所有的學員作品。C組學員沈子璟今年六月剛剛畢業於浙江音樂學院作曲專業,對於這個問題他談到:“在排練中,教授們會指出許多作品中存在記譜問題,這些情形也曾出現在我以往的學習中。老師也教導過我,但始終沒有引起我足夠的重視。當同樣的情況出現在他人的作品中,或許是由於旁觀者清的緣故,我才意識到這些問題的致命性,也因此有了更深層次的反思。”

                  (Dzubay教授與沈子璟)

                 

                  你的創作技法具備足夠的合理性嗎?

                  自西方作曲技術逐漸脫離共性寫作手法以來,可聽性也不再成為評判現代音樂優劣的首要標準,作品的先鋒性、觀念性與其蘊含的哲學意味等成為現代音樂作品不可剝離的重要特征。當下的作曲比賽也十分倡導作曲家大膽的進行學術探索,追求新意。但這並不意味著放諸音響效果於不顧,一味地“為技術而技術”。

                  另一方面,對於樂器性能的了解亦成為創作時的一大難題。作曲家是否對每件樂器的特點足夠明晰?創作是否已經觸及演奏者的極限?作品的繁復性真的會作用於實際音響嗎?諸如此類的問題被逐一拋出。

                  在排練的過程中,許多學員的作品由於過於繁復而做了簡化處理。趙菁文教授也時常對學員發問:“你究竟想要什麽樣的聲音?”“這樣的處理會產生怎樣的音響?”“我該用怎樣的方式合理的表達?”旨在希望作曲家可以更多的站在音響層面創作音樂,甚至學會“做減法”。

                 

                  關於作品的風格相關探討

                  “中國意蘊”,是本次大師班中許多作品都會涉及的創作話題,然而演奏家能否合理、準確的表達創作者的意圖則是另一重要課題。例如:在彩神快三作曲系教師紀宇的作品《牧歌》(7月16日首演)的排練初期,作曲家便與CC樂團展開過相關討論。為使演奏家的處理避免過多的抒情性、避免與西方晚期浪漫主義風格產生混淆、並力圖探尋更深層的音樂情感、使作品展現出鮮明的中國風韻,作曲家建議樂團以減少使用“rubato”的演奏方式,以便於更合理地表述“中式”風格。在此過程中,演奏家需要面臨文化差異與知識儲備等諸多挑戰。

                  古箏演奏家李寒談到:“我在此次大師班中參演的三部作品均為混合室內樂編制,面對民樂與西樂的音響融合問題,我們不得不去思考關於律制差異、音響平衡、配合關系等多個方面。還包括民樂較為自由化的演奏方式與西樂嚴謹規範的表達法兩者之間又該如何權衡?在與CC樂團的合作中,我也對古箏有了更深的了解,也感謝作曲家們賦予了這件樂器更多的可能。”

                 

                  預期音響與實際音響之間存在差異該怎麽辦?

                  法國CC樂團指揮紀堯姆·勃艮第教授認為記譜法的規範程度與實際的音響效果緊密關聯,所以規範記譜是重中之重。作曲家應采用直觀、有效的記譜方式,使演奏員清楚的了解究竟該如何演奏。另一方面,作曲家應多多積累聽覺經驗,熟悉不同技法可能產生的聲音效果。在排練中學習,在排練中積累。若是出現實際音響與預期音響大相徑庭的情況,則需要做出相應的譜面調整。

                  竹笛演奏家向鐘毓談到:“曹源彬所創作得《水之道》使我印象深刻。作品采用一種全新的創作理念,例如開發竹笛演奏技法,以呈示給聽眾非凡的音響效果。作品包含一種被稱為‘彈舌音’(tongue ram,一種特殊的非音高音效)的吹奏技巧,這是在我之前的演奏中所從未遇到的。‘彈舌音’異於常規的吹奏法,在我看來更像將竹笛視為一種‘打擊樂’。其效果聽起來更像是模仿水滴掉落的聲音。也許這種技法會在未來被更多的運用到竹笛作品的創作中。”希望作曲家可以在開發技巧的同時,更多的從實際音響入手,發掘可以作用於實際音響的特殊技法。

                 

                  作曲家與演奏家之間該如何建立良好的溝通機制?

                  作曲家、指揮和演奏家既“三權分立”卻又“相互依存”。一部作品的成功演繹需要三者通力合作,相互促進,彼此建言獻策。良好的溝通機制無疑將助力作品的成功上演。

                  Court Circuit樂團具有極高的職業素養,正如青年作曲家彩神快三作曲系田田老師在采訪中說:“CC樂團所具備的專業素質相信大家有目共睹,他們很早便開始著手籌備這次大師班的曲目。當然,我的作品《夜雪獨白》大成功上演也離不開他們的辛勤付出。早在兩個月之前,大提琴聲部的阿萊克西·德夏爾莫(Alexis Descharmes)先生便通過郵件的方式向我詢問關於作品的種種細節,信件往來十余次。其中包括對譜面內容、段落劃分、記譜法等許多方面的進一步探討。他提出希望在演出時不帶指揮,這個決定顯然增加了演奏者個人的工作難度,也就意味著他們在法國的排練是在閱讀總譜的前提下進行的。他們不僅僅將自己定位於一個演奏者,而是持有一種與作曲家共同‘創造’的藝術姿態。大提琴聲部在《夜雪獨白》這部作品中分量很重,我改變了大提琴原有的定弦方式,同時采用了兩種記譜方式——一為實際音高記譜,二為把位記譜(finger position)。這需要演奏者與其數十年的演奏經驗相抗衡,建立新的演奏習慣,這需要演奏家在私下加班加點,多加練習。”

                  樂團的演奏家們幽默、樂觀、且十分敬業,不論面對何種年齡段的作曲家,他們都抱有尊重的態度,與作曲家不斷溝通、反復磨合。指揮紀堯姆·勃艮第教授則會在休息的間隙為學員修改總譜,並附以大段的文字說明仔細講解。與此同時,他們也表現出對中國音樂、中國文化以及中國新生代的年輕作曲家具有的濃厚興趣,他們樂於在中國探索更多的可能。良好的溝通建制無疑會助力作品的產出,而相互尊重的態度更會碰撞出更多藝術的花火。

                 

                文:馮逸然

                圖:馮逸然、王舒凡

                責任編輯:唐小茜

                審稿:魏明

                 

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